In the mood for love (2000)

Crítica y Reseña por: Maria Laura Quintanilla (La Laura)

Dos desconocidos se encuentran en un ensamble de coincidencias en Hong Kong de los 60. Un hombre y una mujer, casados, sin hijos y con trabajos exitosos descubren un día que comparten mucho más de lo que hubieran deseado.

Dentro de una historia de desamor e infidelidad, nos invitan a observar casi como intrusos entre escenas de cámara lenta, música hipnotizante y colores cálidos, cómo recrean una realidad paralela a su relación para vivir un amor ilícito, secreto y eterno.

De forma extremadamente hábil Wong Kar-wai, el director, es capaz de llevarnos a través de una historia de amor tan anacrónica como las que se deben recordar, utilizando recursos fílmicos que a momentos nos hacen sentir como que se tratara de hermosas pinturas que temporalmente toman movimiento al ritmo de la música escogida de forma muy precisa para envolver al espectador y al mismo tiempo llenarlo de los sentimientos que atraviesan los personajes. Con muy pocos personajes, este drama transporta a un mundo en el que el amor es tácito y hasta cierto punto incomprendido, valiéndose muchas veces de la capacidad intuitiva del espectador, manteniendo un velo de misterio sobre las situaciones que ocurren en escena. Puede mostrar algo para hacernos entenderlo todo, manteniendo el secreto entre los amantes pero haciéndonos partícipes de algunas demostraciones de afecto.

El diccionario de la RAE define la palabra amor como el sentimiento intenso del ser humano que, partiendo de su propia insuficiencia, necesita y busca el encuentro y unión con otro ser, eso es exactamente lo que vemos suceder entre Chow Mo-wan y Su Li-zhen, esa búsqueda ante una necesidad casi tan fuerte como la sed, saciada solamente cuando estos están juntos, para amarse o para escribir historias de artes marciales, da igual. Para mí una de las películas mejor ejecutadas de la historia.

“Feel the heat, keep the feeling burning, let the sensation explode”
(Siente el calor, mantén el fuego ardiendo, deja la sensación explotar.)

Ciclo de Cine: "Arrancacorazones"

5 películas que prometen arrancarte el corazón de maneras poco comunes a las del mundo del cine cursi/comercial.

Mezcladas con drama/violencia/ciencia ficción entre otras, prometen llamar más que tu atención.

True Romance -> 1 /Abril

In The Mood For Love -> 8/Abril

Code 46 -> 15/Abril

Los Amantes del Círculo Polar -> 22/Abril

Eternal Sunshine of the Spotless Mind -> 29/Abril

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Universidad Privada de Santa Cruz de la Sierra
Final Paraguá 4to anillo
Auditorio UPSA - Hrs. 19:30
Santa Cruz, Bolivia

Trainspotting (1996)

Finalmente llegamos a la mejor película del ciclo, coincidencia o no, también es la última. Danny Boyle recientemente fue galardonado por Hollywood como mejor director por su muy recomendable “Slumdog Millonaire” (puro corazón) pero sin lugar a dudas es esta película la que le hizo de un nombre en la industria cinematográfica y digna de un sitial como película de culto.

Boyle es uno de esos directores que toman un tema que a menudo vemos retratado con realismo (un ejemplo podría ser Kids de este mismo ciclo) ya sean yunkies adictos o niños pobres hindúes y se las arregla para hacerla lucir real y a la vez que sea una película que te levanta el espíritu, feliz y alegre.

Además este es el salto a la fama de su protagonista Ewan Mc Gregor que ciertamente nos da una actuación bastante sobresaliente además del siempre excelente Robert Carlyle que justamente son de los más exquisitos actores británicos.

Es pues “Trainspotting” una película que te dice primeramente: ¿Para que escoger la vida? siendo un drogadicto heroinómano solo tengo que preocuparme de conseguir mi adicción, sin necesidad de trabajar, de estresarse, tener peleas con la pareja, etc. Vivir una vida normal es complicado y es esa la conclusión a la que llega Renton. Sin embargo, con el pasar del tiempo, se da cuenta de que no puede estar sumido en un destino circular, y decide ser útil.

Por lo tanto no es para nada una película que este a favor de las drogas, mostrándonos la simpleza de una vida basada en ellas y que al ser tan complejos y variados no deberíamos conformarnos con algo tan monótono.

Esperamos sus comentarios además de que por la falta de tiempo también comentaremos “Donnie Darko” que causó una grata impresión entre los asistentes.

Disculpándonos por los inconvenientes ocasionados la anterior semana estaremos regalando copias de las películas como en todo buen cierre de ciclo. Como siempre el mensaje queda a gusto del público.

TÍTULO ORIGINAL: Trainspotting

DISTRIBUIDORA: Polygram

GÉNERO: Drama

AÑO DE PRODUCCIÓN: 1996

DIRECCIÓN: Danny Boyle

GUIÓN: Irvine Welsh John Hodge

PRODUCCIÓN: Chistopher Figg Andrew Macdonald

FOTOGRAFIA: Brian Tufano

MÚSICA: Johann Sebastian Bach Georgews Bizet

IDIOMA: Inglés

DURACIÓN: 93 minutos

INTÉRPRETES:

Ewan McGregor.....Renton

Ewen Bremner......Spud

Jonny Lee Miller..Sick Boy

Kevin Mckidd......Tommy

Robert Carlyle....Francis

Kelly MacDonald...Diane

Peter Mullan......Swanney

James Cosmo.......Mr.Renton

Eileen Nicholas...Mrs.Renton

Susan Vidler......Allison

Donnie Darko (2001)

Hace un tiempo atrás escribiendo la reseña de Réquiem for a Dream comenté acerca de los nuevos talentos que surgen cada año en la industria cinematográfica y de cómo algunos logran consolidar su sitial con reafirmaciones en segundas y hasta terceras películas (el caso de Paul Thomas Anderson que es con Magnolia y mas fuertemente con There will be blood que se consolido).

Existen también aquellos que se estancan como es el caso de Richard Kelly, escritor y director de Donnie Darko una gran película de culto la cual aborda los viajes en el tiempo, la existencia de universos tangenciales y además de paso el diario vivir de la juventud atormentada por una educación enlatada en la época en que se ambienta.

La trama de Donnie Darko es deliberadamente confusa, intenta expresar temas tales como el existencialismo y las paradojas que no quedan del todo claras, por lo tanto, existen múltiples interpretaciones sobre la misma. Es justamente este notable guión el que tuvo que tener varios cortes para poder exhibirse en los cines (se presumía que llegaría directamente a verse en DVD), lo cual a mi parecer coarto bastante el sentido de la película que el Director pretendía darle.

Es por eso que fue necesario el lanzamiento del Director´s Cut que a mi parecer es la verdadera esencia de la película que además de ser una película de jóvenes es una de ciencia ficción y de cómo las decisiones de los mismos pueden a llegar a afectar a todo el universo.

Lo que mas me agrada de esta película es que el director deja abierta la posibilidad de libre interpretación para el público, no les miento tiene una temática bastante intrincada y se necesitara de mucha atención para poder llegar a comprenderla, pero más allá de esto, se deja disfrutar bastante debido al tono irónico de muchos personajes y cierto humor negro en los mismos. Esperemos que Kelly pueda volver a los guiones intrincados y originales para demostrar que no fue sólo un golpe de suerte.

Disfruten de la ciencia ficción dentro de un entorno juvenil. Como siempre esperamos sus críticas y comentarios antes y después de la película, mucho más en esta con tantas posibilidades de interpretación.

Dirección y guión: Richard Kelly.
País: USA.
Año: 2001.
Duración: 122 min.
Interpretación: Jake Gyllenhaal (Donald 'Donnie' Darko), Jena Malone (Gretchen Ross), Mary McDonnell (Sra. Rose Darko), Drew Barrymore (Srta. Karyn Pomeroy), Patrick Swayze (Jim Cunningham), Holmes Osborne (Sr. Edward Darko), Katharine Ross (Dra. Lillian Thurman), Noah Wyle (Profesor Kenneth Monnitoff), Beth Grant (Srta. Kitty Farmer), Maggie Gyllenhaal (Elizabeth Darko), Daveigh Chase (Samantha Darko), James Duval (Jack).
Producción: Sean Mc Kittrick, Nancy Juvonen y Adam Fields.
Música: Michael Andrews.
Fotografía: Steven Poster.
Montaje: Sam Bauer y Eric Strand.
Diseño de producción: Alexander Hammond.
Vestuario: April Ferry.

Kids (1995)

Larry Clark es uno de esos directores que lleva la palabra polémica escrita en la frente.
Autor de películas generalmente envueltas en el entorno juvenil retratado de la forma más cruda y explicita.

Por tanto su opera prima no puede dejar de llevar ese sello característico que luego pulió con películas como “Bully” o “Ken Park”, ayudado del notable guión de Harmony Korrine en ésta película, quien luego también continuó una carrera de cine poco convencional empezando en la extraña “Gummo”.

“Kids” trata acerca de un día común en la vida de un grupo de adolescentes sexualmente activos en Nueva York, y su desenfrenado comportamiento hacia el sexo y las drogas durante la era del SIDA a mediados de los años 90.

Se han escrito bastantes críticas acerca de este film, mayormente generando un debate sobre el merito artístico de la misma, la cual al mostrar de una forma muy explicita la realidad de los adolescentes fue bastante shockeante en muchos sectores conservadores de nuestra sociedad.

Mas allá de la utilización un poco desmedida de la crudeza de imágenes, a mi parecer el objetivo de Clark es justamente el de mostrar el lado “oscuro” de la juventud el cual quizás no es el que se enteran y en si el propósito de todo este ciclo, el de mostrarnos que muchas veces la locura juvenil tiene consecuencias que pueden llegar a ser devastadoras. A mi entender Clark es mucho más honesto que otros directores “caretas” al mostrarnos ese lado oscuro, es como una especie de llamado de atención más que un aprovechamiento de la polémica por fama, y ese quizás es el gran acierto a pesar de contar con algunos desaciertos . Mucho más en pleno siglo 21 en el que podemos ver que todas las generaciones se desarrollan mucho más rápido que las predecesoras.

Disfruten de la polémica y preparen su criterio más amplio para expresar una opinión mas honesta, que como siempre queda para el final de la película.

TITULO ORIGINAL Kids
AÑO
1995
DURACIÓN
90 min. Sugerir trailer/vídeo
PAÍS
[Estados Unidos]
DIRECTOR Larry Clark
GUIÓN Harmony Korine
MÚSICA Lou Barlow
FOTOGRAFÍA Eric Edwards
REPARTO Leo Fitzpatrick, Justin Pierce, Chlöe Sevigny, Sarah Henderson, Rosario Dawson
PRODUCTORA Shinig Excalibur Pictures / Independent Pictures / The Guys Upstairs

Garden State (2004)

La música y el cine siempre se han llevado de maravilla y esta película es la prueba de ello. Garden State, una regular película del año 2004 nos presenta el debut cinematográfico de Zach Braff, actor principal, director y escritor.

¿Que es lo que hace a Garden State tan especial y un gran favorito de muchos de los que formamos parte del Club de Cine?, más allá de la simpleza de la historia, la regular actuación de sus protagonistas (aunque siempre es bueno tener a Natalie Portman en pantalla) es la típica producción indie que nos llena de nostalgia y/o esta llena de paralelismos, con los que nos identificamos muchos de nosotros, los jóvenes mas viejos, aquellos que vemos que es hora de dejar de perder el tiempo e ir por “ello” lo que sea que eso signifique.

En el caso de Andrew Largeman "ello" es "ella", que en palabras del mismo Director, este film trata acerca del “amor por no encontrar un mejor termino”, y como este puede hacerte despertar de un letargo y tomar acciones para hacernos dar cuenta que la vida es muy corta como para vivirla solitario y perdido.

Actor frustrado de una sola aparición semi conocida, Andrew vuelve a su natal New Jersey para el funeral de su madre. Al volver a su hogar se encuentra con su viejo amigo Mark (Peter Sarsgaard), quien ahora es un sepulturero. Son varias las personas con las cuales Andrew vuelve a tener contacto, y de quienes tiene que ponderar recuerdos y sentimientos.

Junto con las reminiscencias que su estancia y recorrido por el lugar le provocan, también tiene que confrontar la relación con su padre.

El desarrollo de los acontecimientos cambia, cuando conoce a una chica llamada Sam (Portman), mientras se encuentra en la sala de espera de un consultorio médico.

Acompañada de una genial selección de canciones las cuales le hicieron merecedor de un Grammy al mejor soundtrack a Braff, las cuales van desde Coldplay, Frou Frou, Nick Drake, pasando por The Shins y Zero 7, esta película es por ponerlo en términos sencillos, bonita y te sabe llegar por donde menos te los esperas.

Disfruten de la segunda película dedicada a los jóvenes más viejos aquellos que nos encontramos en nuestros Veintitantos. Como siempre, el mensaje queda a criterio del público el cual se espera pueda comentarlo terminada la película.

Dirección y guión: Zach Braff.
País: USA.
Año: 2004.
Duración: 109 min.
Género: Comedia dramática.
Interpretación: Zach Braff (Andrew Largeman), Natalie Portman (Sam), Peter Sarsgaard (Mark), Ian Holm (Gideon Largeman), Ron Leibman (Dr. Cohen), Method Man (Diego), Jean Smart (Carol), Ann Dowd (Olivia), Denis O'Hare (Albert), Geoffrey Arend (Karl Benson), Alex Burns (Dave).
Producción: Pamela Abdy, Gary Gilbert, Dan Halsted y Richard Klubeck.
Producción ejecutiva: Danny DeVito, Michael Shamberg y Stacey Sher.
Música: Chad Fisher.
Fotografía: Lawrence Sher.
Montaje: Myron Kerstein.
Diseño de producción: Judy Becker.
Dirección artística: Laura Ballinger.
Vestuario: Michael Wilkinson.

Requiem for a dream (2000)

Cada año surge un nuevo talento en el séptimo arte que deslumbra con algo original y bastante prometedor. Generalmente se estancan y/o ingresan al circuito blockbuster para olvidarse de su verdadera pasión, existe también la posibilidad de una reafirmación que los consolide en un sitial de la industria cinematográfica. Todas estas interrogantes son respondidas con su segunda película.

Darren Aronofsky, luego de la exitosa y original “pi” nos trae una verdadera consolidación de su sitial bien ganado dentro de los directores más prometedores de los 90’s con su magistral “Réquiem for a Dream”.

La película representa diferentes formas de adicción, llevando a sus personajes principales a un encarcelamiento dentro de un mundo de ensueño y falsa ilusión que subsecuentemente se ve colapsado y devastado por la realidad.

Todo ello a traves de tres estaciones en la vida de Sara (Ellen Burstyn consiguió una nominacion al oscar por este papel) y Harry Goldfarb, la novia y el amigo de Harry, Marion Silver y Tyrone Love.

En cuanto a los detalles técnicos, para representar el cambio de lo objetivo de la narración(basada en el diario vivir y la realidad); a lo subjetivo que se representa en el estado de desilusión y falso mundo en el que viven los personajes, Aronofsky alterna entre close-ups y tomas distantes de la acción para intercalarla con la realidad y esas fantasías. Además con esto, Aronofsky trata de subjetivizar la emoción y el efecto de sus gustos y estilo, que son propios de una personalización o sello personal del director, mas que de una alienación.

Disfruten de la primera película del año que genialmente coincidió con esta verdadera consolidación de un director con una visión y estilo únicos en este primer ciclo de desequilibrio, adicción y oscuridad.

Este miércoles 25 de febrero en el Auditorio de la UPSA. El mensaje queda a gusto del público.

Dirección: Darren Aronofsky.
País: USA.
Año: 2000.
Duración: 102 min.
Interpretación: Ellen Burstyn (Sara Goldfarb), Jared Leto (Harry Goldfarb), Jennifer Connelly (Marion Silver), Marlon Wayans (Tyrone C. Love), Christopher McDonald (Tappy Tibbons), Louise Lasser (Ada), Keith David (Gran Tim), Sean Gullette (Arnold el psiquiatra).
Guión: Hubert Selby Jr. y Darren Aronofsky; basado en la novela del primero.
Producción: Eric Watson.
Música: Clint Mansell.
Interpretación cuartetos de cuerda: Kronos Quartet.
Fotografía: Matthew Libatique.
Montaje: Jay Rabinowitz.
Diseño de producción: James Chinlund.
Dirección artística: Judy Rhee.
Vestuario: Laura Jean Shannon.
Decorados: Ondine Karady.