En este ciclo cuando las clases se acaban, las vacaciones se acercan y lo aprendido se olvida. Los invitamos a disfrutar de las siguientes peliculas que nos mostraran un lado diferente de la vida, un lado que trata de luchar contra todo lo establecido y escrito, un lado alternativo:
Jueves 12... de Noviembre: Fight Club (1999) Dir. David Fincher.
Jueves 19 de Noviembre: The Edukators (2005) Dir. Hans Weingartner.
Jueves 26 de Noviembre: American History X (1998) Dir. Tony Kaye.
Jueves 3 de Diciembre: La Sociedad De Los Poetas Muertos (1986) Dir. Peter Weir.
Les recordamos que tenemos Nuevo Día y Nuevo Horario: Jueves a las 7 de la noche.
Miradas de sucesos Bélicos que a lo largo de la historia han inspirado a un cine que no siempre se vanagloria en la Cultura de la Victoria, más bien son miradas que en algún momento los críticos han sabido clasificar como un "cine pacifista".
El comentario final lo tendrá el espectador.
04 de Agosto -> Apocalypse Now (USA 1979) - Dir. Francis Ford Coppola
11 de Agosto -> The Dirty Dozen (USA 1967) - Dir. Robert Aldrich
18 de Agosto -> Taegukgi Hwinalrimyeo/Brotherhood of War (Corea del Sur 2004) - Dir. Je-gyu Kang
25 de Agosto -> Un long dimanche de fiancailles/A Very Long Engagement (Francia 2004) - Dir. Jean-Pierre Jeunet
01 de Septiembre -> Vals Im Bashir/Waltz with Bashir (Israel 2004) - Dir. Ari Folman
Acabando nuestros ciclos temáticos, este frio mes de junio, calentaremos un poco el ambiente con un nuevo ciclo que promete estar cargado de plomo, mucha plata y bastantes maleantosos.
El mismo comienza este miercoles 3 de junio con una pelicula británica, opera prima de Guy Ritchie y llena de actores típicos y buenos en estos papeles y en esta clase de películas: "Lock, Stock and Two Smoking Barrels"
Dandole el toque latino al ciclo presentaremos el 10 de junio la película argentina"Plata Quemada" de Marcelo Piñeyro.
Pensando siempre en la variedad el 17 de junio, presentamos la película asiatica por la que Scorsese encontro finalmente su Oscar con su remake en The Departed, la aclamada "Infernal Affairs".
Como no podía faltar, el estereotipo más famoso de este submundo el de los italoestadounidenses presentamos una pelicula dirigida y protagonizada por uno, "Mean Streets" de Martin Scorsese y con Robert De Niro en el papel principal.
Cerrando el ciclo con la usualmente acostumbrada "mejor" película tenemos otra opera prima del hijo mimado de la generación VHS, un tal Quentin Tarantino con su excelente "Reservoir Dogs".
Esperando contar con la presencia de todos los esperamos todos los miercoles de este mes para disfrutar, comentar y debatir de las películas mas representativas y variadas que pudimos encontrar para este ciclo cargado de gansters, plomo y verdes. Los esperamos en el Auditorio de la UPSA a las 19:30.
Club de Cine UPSA / JunioCiclo: Gansters, Plomo y Verdes 03/06/09 Lock, Stock and Two Smoking Barrels (1998) Dir. Guy Ritchie.
10/06/09 Plata Quemada (2000) Dir. Marcelo Pineyro.
17/06/09 Infernal Affairs (Mou Gaan dou) (2002) Dir. Wai-keung Lau
24/06/09 Mean Streets (1973) Dir. Martin Scorsese.
01/07/09 Reservoir Dogs (1992) Dir. Quentin Tarantino
Una de las mayores características del hombre que lo distingue de cualquier ser existente conocido, es la imaginación.
La imaginación, algo inherente en el espíritu humano, lo ha llevado a crear universos enteros, aventuras increíbles, historias épicas, y el cine fue y es de las mejores maneras de plasmar todos estos elementos creados a partir de la imaginación. Por eso en el Club de Cine UPSA quisimos dedicarle un ciclo a uno de los géneros que ha llevado la imaginación del hombre al extremo, la ciencia ficción, por eso Mayo estará cargado de universos increíbles, mundos espectaculares y personajes extraordinarios con nuestro ciclo “Imaginación sin Límites” Comenzaremos este 6 de Mayo, con la primera entrega de la Trilogía Original del magnífico universo creado por George Lucas, Star Wars, donde apreciaremos el inicio de las aventuras de Luke Skywalker, cuando inicia el largo y difícil camino de liberación de la Galaxia del malvado Imperio Galáctico. Para el 13 de Mayo presenciaremos una de las obras pioneras en el género, de la mano de Stanley Kubrick, que nos trae el intrincado aventura del Dr. Bowman en el S.S. Discovery, cuando se encuentra con serios problemas con la computadora principal de la nave, HAL9000, en las cercanías de Júpiter. El 20 de Mayo disfrutaremos de Brazil, una obra de Terry Gilliam el cual plantea duramente que papel debería jugar la tecnología en el futuro, reflejado en las vivencias de Sam Lowry y su deseo de encontrar a la mujer de sus sueños y vivir una vida lejos de la tecnología reinante de su mundo. Finalmente para cerrar el ciclo, el martes 26 de Mayo, tendremos Matrix, película de los hermanos Wachowski, que revoluciono la industria cinematográfica la década pasada, con la historia de Thomas Anderson, que descubre su verdadero destino como Neo, única esperanza de la humanidad en un mundo reinado por maquinas, donde los hombres tendrán que abrir los ojos y luchar por su libertad. Como siempre la invitación está dada para que asistan en las fechas indicadas a las 19:30 en el auditorio de la UPSA, para que entre todos, podamos disfrutar, comentar y debatir estas películas, donde lo que sobrara será imaginación, fantasía e increíbles efectos visuales.
Club de Cine UPSA / MayoCiclo: Imaginación sin Limites 06/05/09: Star Wars: A new Hope (1977) Dir: George Lucas 13/05/09: 2001: Odisea en el Espacio (1968) Dir: Stanley Kubrick 20/05/09: Brazil (1985) Dir: Terry Gilliam 26/05/09: Matrix (1999) Dir. Hermanos Wachowski
¿Y si te pidieran comentar acerca de tu película favorita de toda la vida? ¿Mantendrías imparcialidad? Y bueno, no es necesario, puesto que la película a pesar de ser una de mis favoritas, es buena y mucho, no necesita de favoritismos.
¿Que es lo que pasa cuando Michel Gondry dirige un guión de Charlie Kaufman? pues genialidad pura. Uno de los directores visualmente más aclamados y un guionista visionario es la combinación perfecta de esta notable película una de las más originales filmadas en los últimos años.
Joel es un hombre solitario y rutinario que un día decide, de manera impulsiva, iniciar un viaje en tren hacia una estación desconocida. Allí conoce a Clementine, una mujer impulsiva. Pero todo lo que se presenta como obvio en este film tiene un trasfondo imprevisto, y el espectador va descubriendo poco a poco que esa no es la primera vez que Joel y Clementine se ven. En realidad, hace algún tiempo, después de una larga relación y muchas diferencias, Clementine había decidido romper el noviazgo y ponerse en manos del doctor Howard Mierzwiak para que le borraran todos los recuerdos relacionados con Joel. Cuando éste descubre que Clementine no lo reconoce, decide someterse también a un lavado de cerebro. En el proceso de borrado de memoria, Joel se arrepiente de su decisión y decide escapar con Clementine dentro de sus recuerdos para no olvidarla.
Gondry logra un exitoso crossover de la dirección de videos al cine con esta genial película, demostrando plenamente sus habilidades cinematográficas con bien logradas y maravillosas tomas (en una de las escenas más poderosas de la película Joel entra en otro mundo de su conciencia, una transición representada por luces detrás de él apagándose una por una) en las que no necesito de efectos digitales y valiéndose solamente de su habilidad técnica para lograrlas, además de la ayuda de su notable cinematógrafa Ellen Kuras, los resultados de su intrincada y detallada ejecución se quedan cortos en elogios.
Kaufman ya nos tenía acostumbrados a originales y no convencionales guiones (Adaptation, Being John Malkovich) en los que siempre mezcla un sentido de humor extraño con un ilustrado interés en la filosofía, neurociencia y la plasticidad del deseo, de hecho para el título se inspiró en un poema de Alexander Pope. Sus guiones son bastante inteligentes y nunca a expensas de sus personajes.
Y por si fuera poco Jim Carrey nos regala la actuación de su vida, su interpretación del hombre aburrido, solitario y común es superlativa, además del nivel de dificultad, puesto que estaba obligado a actuar con cambios de tiempo y emoción constantemente incluso a veces en una sola escena.
Tampoco olvidemos a Kate Winslet (originalmente Gondry pensó en Björk pero después de Dancer in the Dark estaba tan deprimida que difícilmente aceptaría actuar de nuevo) que también nos da una gran actuación y de la que ya estamos acostumbrados a buenos trabajos.
Además incluso los de reparto estuvieron espectaculares, todos, desde el Frodo no tan Frodo, pasando por Rufallo que lo hizo bien, Kirsten Dunst aceptable (además de bonita), y el siempre bueno Tom Wilkinson.
En una película de esta clase no se podría dejar la música a cualquiera, y es justo uno de mis compositores favoritos que demuestra su clase, la música original de Jon Brion es simplemente el complemento perfecto (el pianito del tema original es increible), incluso las canciones que se añadieron al soundtrack como The Polyphonic Spree (dos canciones), The Willowz y la mejor del soundtrack, el cover de Beck, estupenda (es como el dice todos tendremos que aprender algún día).
Generalmente nos proponemos dejar la mejor película del ciclo para el cierre, en este caso sin lugar a dudas estamos en lo correcto.
Gondry, Kaufman y todo el cast y equipo técnico lograron realizar una excelente película que puede sacarte una sonrisa acerca de cometer los mismos errores en el amor y luego sutilmente romperte el corazón.
Dirección: Michel Gondry. País: USA.
Año: 2004.
Duración: 108 min.
Interpretación: Jim Carrey (Joel Barish), Kate Winslet (Clementine Kruczynski), Kirsten Dunst (Mary Svevo), Mark Ruffalo (Stan), Elijah Wood (Patrick), Tom Wilkinson (Dr. Howard Mierzwiak), Thomas Jay Ryan (Frank), Jane Adams (Carrie), David Cross (Rob), Ryan Whitney (Joel joven), Lola Daehler (Clementine joven).
Guión: Charlie Kaufman; basado en un argumento de Michel Gondry, Charlie Kaufman y Pierre Bismuth.
Producción: Steve Golin y Anthony Bregman.
Música: Jon Brion. Fotografía: Ellen Kuras.
Montaje: Valdís Óskarsdóttir.
Diseño de producción: Dan Leigh.
Dirección artística: David Stein.
Vestuario: Melissa Toth.
Julio Médem es uno de esos directores que simplemente no puede pasar desapercibido.
Heredero de una rica tradición de cine de autor en su país (Buñuel), Medem supo ganarse el respeto de sus colegas con historias fascinantes (guionista de todas sus películas), ayudadas de verdaderas metáforas en la que las imágenes inspiran mucho más de lo que se ve, además de una particular visióny una mirada bastante personal (al estilo Kieslowski o Tarkovsky pero sin lugar a dudas mucho mas emotivo y original) que ha mantenido a lo largo de su filmografía.
No es casualidad, por tanto que esta película, “su” particular historia de amor lacónica, esté llena de detalles y particularidades (la estructura concéntrica y capicúa de los nombres de los protagonistas e incluso del apellido del director, los tonos azulados y fríos que tratan de reflejar la rudeza del destino -preciosa foto por cierto-) que la hacen realmente un acertado ejemplo de virtuosismo cinematográfico, una verdadera obra de arte.
La película nos relata la vida de Ana y Otto, dos niños de ocho años que un día se conocen a la salida del colegio. En ese mismo momento nacerá una historia de amor secreta y circular que se cerrará diecisiete años después en Finlandia, en el mismo Círculo Polar Ártico. Una hermosa y dramática historia de amor que viven los dos protagonistas, desde su primer encuentro en la infancia hasta los veinticinco años. Sin duda una de las mejores películas escritas acerca del amor, y del costo/beneficio que a veces no se ve reflejado en el resultado.
Los invito a ver al recomendado por el mismísimo Kubrick, una gran promesa hecha realidad del cine español que como dato curioso nunca se vendió a la industria hollywoodense, pero que con lo popular que se ha hecho lo indie, no me sorprendería verlo en unos años más rodando con presupuestos mucho más grandes.
Este miércoles 22 de abril los esperamos para seguir comentando acerca de la peli, y como siempre el mensaje queda a gusto de ustedes, Los esperamos!
Dirección: Julio Medem
País: España
Año: 1998
Duración: 112 min.
Género: Drama.
Interpretación: Najwa Nimri, Fele Martinez, Maru Valdivielso, Nacho Novo, Peru Medem,
Sara Valiente, Victor Hugo Oliveira, Kristel Diaz, Pep Mune, Jaroslaw Bielski, Rosa
Morales, Joost Siedhoff, Reate Jensen y Petri Heino.
Guión: Julio Medem
Producción: Fernando Bovaira y Enrique Lopez Lavigne
Música: Alberto Iglesias
Fotografía: Gonzalo F. Berridi
Montaje: Ivan Aledo
Vestuario: Estibaliz Markiegi
Crítica y Reseña por: Maria Laura Quintanilla (La Laura)
Dos desconocidos se encuentran en un ensamble de coincidencias en Hong Kong de los 60. Un hombre y una mujer, casados, sin hijos y con trabajos exitosos descubren un día que comparten mucho más de lo que hubieran deseado.
Dentro de una historia de desamor e infidelidad, nos invitan a observar casi como intrusos entre escenas de cámara lenta, música hipnotizante y colores cálidos, cómo recrean una realidad paralela a su relación para vivir un amor ilícito, secreto y eterno.
De forma extremadamente hábil Wong Kar-wai, el director, es capaz de llevarnos a través de una historia de amor tan anacrónica como las que se deben recordar, utilizando recursos fílmicos que a momentos nos hacen sentir como que se tratara de hermosas pinturas que temporalmente toman movimiento al ritmo de la música escogida de forma muy precisa para envolver al espectador y al mismo tiempo llenarlo de los sentimientos que atraviesan los personajes. Con muy pocos personajes, este drama transporta a un mundo en el que el amor es tácito y hasta cierto punto incomprendido, valiéndose muchas veces de la capacidad intuitiva del espectador, manteniendo un velo de misterio sobre las situaciones que ocurren en escena. Puede mostrar algo para hacernos entenderlo todo, manteniendo el secreto entre los amantes pero haciéndonos partícipes de algunas demostraciones de afecto.
El diccionario de la RAE define la palabra amor como el sentimiento intenso del ser humano que, partiendo de su propia insuficiencia, necesita y busca el encuentro y unión con otro ser, eso es exactamente lo que vemos suceder entre Chow Mo-wan y Su Li-zhen, esa búsqueda ante una necesidad casi tan fuerte como la sed, saciada solamente cuando estos están juntos, para amarse o para escribir historias de artes marciales, da igual. Para mí una de las películas mejor ejecutadas de la historia.
“Feel the heat, keep the feeling burning, let the sensation explode” (Siente el calor, mantén el fuego ardiendo, deja la sensación explotar.)
Finalmente llegamos a la mejor película del ciclo, coincidencia o no, también es la última. Danny Boyle recientemente fue galardonado por Hollywood como mejor director por su muy recomendable “Slumdog Millonaire” (puro corazón) pero sin lugar a dudas es esta película la que le hizo de un nombre en la industria cinematográfica y digna de un sitial como película de culto.
Boyle es uno de esos directores que toman un tema que a menudo vemos retratado con realismo (un ejemplo podría ser Kids de este mismo ciclo) ya sean yunkies adictos o niños pobres hindúes y se las arregla para hacerla lucir real y a la vez que sea una película que te levanta el espíritu, feliz y alegre.
Además este es el salto a la fama de su protagonista Ewan Mc Gregor que ciertamente nos da una actuación bastante sobresaliente además del siempre excelente Robert Carlyle que justamente son de los más exquisitos actores británicos.
Es pues “Trainspotting” una película que te dice primeramente: ¿Para que escoger la vida? siendo un drogadicto heroinómano solo tengo que preocuparme de conseguir mi adicción, sin necesidad de trabajar, de estresarse, tener peleas con la pareja, etc. Vivir una vida normal es complicado y es esa la conclusión a la que llega Renton. Sin embargo, con el pasar del tiempo, se da cuenta de que no puede estar sumido en un destino circular, y decide ser útil.
Por lo tanto no es para nada una película que este a favor de las drogas, mostrándonos la simpleza de una vida basada en ellas y que al ser tan complejos y variados no deberíamos conformarnos con algo tan monótono.
Esperamos sus comentarios además de que por la falta de tiempo también comentaremos “Donnie Darko” que causó una grata impresión entre los asistentes.
Disculpándonos por los inconvenientes ocasionados la anterior semana estaremos regalando copias de las películas como en todo buen cierre de ciclo. Como siempre el mensaje queda a gusto del público.
Hace un tiempo atrás escribiendo la reseña de Réquiem for a Dream comenté acerca de los nuevos talentos que surgen cada año en la industria cinematográfica y de cómo algunos logran consolidar su sitial con reafirmaciones en segundas y hasta terceras películas (el caso de Paul Thomas Anderson que es con Magnolia y mas fuertemente con There will be blood que se consolido).
Existen también aquellos que se estancan como es el caso de Richard Kelly, escritor y director de Donnie Darko una gran película de culto la cual aborda los viajes en el tiempo, la existencia de universos tangenciales y además de paso el diario vivir de la juventud atormentada por una educación enlatada en la época en que se ambienta.
La trama de Donnie Darko es deliberadamente confusa, intenta expresar temas tales como el existencialismo y las paradojas que no quedan del todo claras, por lo tanto, existen múltiples interpretaciones sobre la misma. Es justamente este notable guión el que tuvo que tener varios cortes para poder exhibirse en los cines (se presumía que llegaría directamente a verse en DVD), lo cual a mi parecer coarto bastante el sentido de la película que el Director pretendía darle.
Es por eso que fue necesario el lanzamiento del Director´s Cut que a mi parecer es la verdadera esencia de la película que además de ser una película de jóvenes es una de ciencia ficción y de cómo las decisiones de los mismos pueden a llegar a afectar a todo el universo.
Lo que mas me agrada de esta película es que el director deja abierta la posibilidad de libre interpretación para el público, no les miento tiene una temática bastante intrincada y se necesitara de mucha atención para poder llegar a comprenderla, pero más allá de esto, se deja disfrutar bastante debido al tono irónico de muchos personajes y cierto humor negro en los mismos. Esperemos que Kelly pueda volver a los guiones intrincados y originales para demostrar que no fue sólo un golpe de suerte.
Disfruten de la ciencia ficción dentro de un entorno juvenil. Como siempre esperamos sus críticas y comentarios antes y después de la película, mucho más en esta con tantas posibilidades de interpretación.
Dirección y guión: Richard Kelly. País: USA. Año: 2001. Duración: 122 min. Interpretación: Jake Gyllenhaal (Donald 'Donnie' Darko), Jena Malone (Gretchen Ross), Mary McDonnell (Sra. Rose Darko), Drew Barrymore (Srta. Karyn Pomeroy), Patrick Swayze (Jim Cunningham), Holmes Osborne (Sr. Edward Darko), Katharine Ross (Dra. Lillian Thurman), Noah Wyle (Profesor Kenneth Monnitoff), Beth Grant (Srta. Kitty Farmer), Maggie Gyllenhaal (Elizabeth Darko), Daveigh Chase (Samantha Darko), James Duval (Jack). Producción: Sean Mc Kittrick, Nancy Juvonen y Adam Fields. Música: Michael Andrews. Fotografía: Steven Poster. Montaje: Sam Bauer y Eric Strand. Diseño de producción: Alexander Hammond. Vestuario: April Ferry.
Larry Clark es uno de esos directores que lleva la palabra polémica escrita en la frente. Autor de películas generalmente envueltas en el entorno juvenil retratado de la forma más cruda y explicita.
Por tanto su opera prima no puede dejar de llevar ese sello característico que luego pulió con películas como “Bully” o “Ken Park”, ayudado del notable guión de Harmony Korrine en ésta película, quien luego también continuó una carrera de cine poco convencional empezando en la extraña “Gummo”.
“Kids” trata acerca de un día común en la vida de un grupo de adolescentes sexualmente activos en Nueva York, y su desenfrenado comportamiento hacia el sexo y las drogas durante la era del SIDA a mediados de los años 90.
Se han escrito bastantes críticas acerca de este film, mayormente generando un debate sobre el merito artístico de la misma, la cual al mostrar de una forma muy explicita la realidad de los adolescentes fue bastante shockeante en muchos sectores conservadores de nuestra sociedad.
Mas allá de la utilización un poco desmedida de la crudeza de imágenes, a mi parecer el objetivo de Clark es justamente el de mostrar el lado “oscuro” de la juventud el cual quizás no es el que se enteran y en si el propósito de todo este ciclo, el de mostrarnos que muchas veces la locura juvenil tiene consecuencias que pueden llegar a ser devastadoras. A mi entender Clark es mucho más honesto que otros directores “caretas” al mostrarnos ese lado oscuro, es como una especie de llamado de atención más que un aprovechamiento de la polémica por fama, y ese quizás es el gran acierto a pesar de contar con algunos desaciertos . Mucho más en pleno siglo 21 en el que podemos ver que todas las generaciones se desarrollan mucho más rápido que las predecesoras.
Disfruten de la polémica y preparen su criterio más amplio para expresar una opinión mas honesta, que como siempre queda para el final de la película.
TITULO ORIGINAL Kids AÑO 1995 DURACIÓN 90 min. Sugerir trailer/vídeo PAÍS [Estados Unidos] DIRECTOR Larry Clark GUIÓN Harmony Korine MÚSICA Lou Barlow FOTOGRAFÍA Eric Edwards REPARTO Leo Fitzpatrick, Justin Pierce, Chlöe Sevigny, Sarah Henderson, Rosario Dawson PRODUCTORA Shinig Excalibur Pictures / Independent Pictures / The Guys Upstairs
La música y el cine siempre se han llevado de maravilla y esta película es la prueba de ello. Garden State, una regular película del año 2004 nos presenta el debut cinematográfico de Zach Braff, actor principal, director y escritor.
¿Que es lo que hace a Garden State tan especial y un gran favorito de muchos de los que formamos parte del Club de Cine?, más allá de la simpleza de la historia, la regular actuación de sus protagonistas (aunque siempre es bueno tener a Natalie Portman en pantalla) es la típica producción indie que nos llena de nostalgia y/o esta llena de paralelismos, con los que nos identificamos muchos de nosotros, los jóvenes mas viejos, aquellos que vemos que es hora de dejar de perder el tiempo e ir por “ello” lo que sea que eso signifique.
En el caso de Andrew Largeman "ello" es "ella", que en palabras del mismo Director, este film trata acerca del “amor por no encontrar un mejor termino”, y como este puede hacerte despertar de un letargo y tomar acciones para hacernos dar cuenta que la vida es muy corta como para vivirla solitario y perdido.
Actor frustrado de una sola aparición semi conocida, Andrew vuelve a su natal New Jersey para el funeral de su madre. Al volver a su hogar se encuentra con su viejo amigo Mark (Peter Sarsgaard), quien ahora es un sepulturero. Son varias las personas con las cuales Andrew vuelve a tener contacto, y de quienes tiene que ponderar recuerdos y sentimientos.
Junto con las reminiscencias que su estancia y recorrido por el lugar le provocan, también tiene que confrontar la relación con su padre.
El desarrollo de los acontecimientos cambia, cuando conoce a una chica llamada Sam (Portman), mientras se encuentra en la sala de espera de un consultorio médico.
Acompañada de una genial selección de canciones las cuales le hicieron merecedor de un Grammy al mejor soundtrack a Braff, las cuales van desde Coldplay, Frou Frou, Nick Drake, pasando por The Shins y Zero 7, esta película es por ponerlo en términos sencillos, bonita y te sabe llegar por donde menos te los esperas.
Disfruten de la segunda película dedicada a los jóvenes más viejos aquellos que nos encontramos en nuestros Veintitantos. Como siempre, el mensaje queda a criterio del público el cual se espera pueda comentarlo terminada la película.
Dirección y guión: Zach Braff. País: USA. Año: 2004. Duración: 109 min. Género: Comedia dramática. Interpretación: Zach Braff (Andrew Largeman), Natalie Portman (Sam), Peter Sarsgaard (Mark), Ian Holm (Gideon Largeman), Ron Leibman (Dr. Cohen), Method Man (Diego), Jean Smart (Carol), Ann Dowd (Olivia), Denis O'Hare (Albert), Geoffrey Arend (Karl Benson), Alex Burns (Dave). Producción: Pamela Abdy, Gary Gilbert, Dan Halsted y Richard Klubeck. Producción ejecutiva: Danny DeVito, Michael Shamberg y Stacey Sher. Música: Chad Fisher. Fotografía: Lawrence Sher. Montaje: Myron Kerstein. Diseño de producción: Judy Becker. Dirección artística: Laura Ballinger. Vestuario: Michael Wilkinson.
Cada año surge un nuevo talento en el séptimo arte que deslumbra con algo original y bastante prometedor. Generalmente se estancan y/o ingresan al circuito blockbuster para olvidarse de su verdadera pasión, existe también la posibilidad de una reafirmación que los consolide en un sitial de la industria cinematográfica. Todas estas interrogantes son respondidas con su segunda película.
Darren Aronofsky, luego de la exitosa y original “pi” nos trae una verdadera consolidación de su sitial bien ganado dentro de los directores más prometedores de los 90’s con su magistral “Réquiem for a Dream”.
La película representa diferentes formas de adicción, llevando a sus personajes principales a un encarcelamiento dentro de un mundo de ensueño y falsa ilusión que subsecuentemente se ve colapsado y devastado por la realidad.
Todo ello a traves de tres estaciones en la vida de Sara (Ellen Burstyn consiguió una nominacion al oscar por este papel) y Harry Goldfarb, la novia y el amigo de Harry, Marion Silver y Tyrone Love.
En cuanto a los detalles técnicos, para representar el cambio de lo objetivo de la narración(basada en el diario vivir y la realidad); a lo subjetivo que se representa en el estado de desilusión y falso mundo en el que viven los personajes, Aronofsky alterna entre close-ups y tomas distantes de la acción para intercalarla con la realidad y esas fantasías. Además con esto, Aronofsky trata de subjetivizar la emoción y el efecto de sus gustos y estilo, que son propios de una personalización o sello personal del director, mas que de una alienación.
Disfruten de la primera película del año que genialmente coincidió con esta verdadera consolidación de un director con una visión y estilo únicos en este primer ciclo de desequilibrio, adicción y oscuridad.
Este miércoles 25 de febrero en el Auditorio de la UPSA. El mensaje queda a gusto del público.
Dirección: Darren Aronofsky. País: USA.
Año: 2000.
Duración: 102 min.
Interpretación: Ellen Burstyn (Sara Goldfarb), Jared Leto (Harry Goldfarb), Jennifer Connelly (Marion Silver), Marlon Wayans (Tyrone C. Love), Christopher McDonald (Tappy Tibbons), Louise Lasser (Ada), Keith David (Gran Tim), Sean Gullette (Arnold el psiquiatra).
Guión: Hubert Selby Jr. y Darren Aronofsky; basado en la novela del primero.
Producción: Eric Watson. Música: Clint Mansell. Interpretación cuartetos de cuerda: Kronos Quartet. Fotografía: Matthew Libatique.
Montaje: Jay Rabinowitz.
Diseño de producción: James Chinlund.
Dirección artística: Judy Rhee.
Vestuario: Laura Jean Shannon.
Decorados: Ondine Karady.
El Club de Cine UPSA nace a partir de una iniciativa del Departamento de Extensión Cultural de la UPSA con la intención de ayudar la difusión del cine como arte y a la vez crear lazos entre gente joven que gusta de este como tal.
"Un buen vino es como una buena película: dura un instante y te deja en la boca un sabor a gloria; es nuevo en cada sorbo y , como ocurre con las películas, nace y renace en cada saboreador."
Federico Fellini
"La fotografía es verdad. Y el cine es verdad 24 veces por segundo." Jean Luc Goddard
